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Découvrez notre entretien exclusif avec Michel Mousseau, artiste peintre autodidacte. À l’occasion de notre exposition “ Michel Mousseau, Les Années 60 “, l’artiste partage avec nous son parcours unique, ses influences artistiques, et sa vision singulière de la peinture. De ses premières révélations esthétiques aux nues et natures mortes emblématiques de sa production des années 60, découvrez les réflexions et les émotions qui ont façonné son œuvre. Plongez avec nous dans l’univers captivant de Michel Mousseau et explorez les thèmes et techniques qui font de son travail une célébration vibrante de la lumière et de la couleur.

Q1 Pouvez-vous nous parler de votre parcours artistique et de ce qui vous a conduit à devenir peintre ?

Je suis autodidacte, sans formation artistique formelle. Adolescent, j’ai eu la chance, lorsque j’étais au lycée, de voir, chez la mère d’un camarade, elle même peintre, d’authentiques tableaux de Soutine et de Modigliani. Ce fut une révélation.

Par ailleurs, toujours au lycée, les petits films sur la peinture de toutes les époques que nous passait, en classe de dessin, notre professeur, Monsieur Jean Couy, peintre, ont été très formateur pour moi. Il m’a fait découvrir Cézanne.

J’ai dessiné très tôt, beaucoup de petits dessins très précis, que j’ai malheureusement jetés. Par la suite, je suis allé en auditeur libre à des cours du soir de peinture et de dessin Boulevard du Montparnasse à Paris. J’étais très assidu mais n’ai jamais reçu de conseils de la part des peintres ou dessinateurs qui professaient là.

Ma première émotion esthétique a été la découverte de l’océan à Pornic. Venu de Paris à vélo, je me rappelle la violence de cet éblouissement, cet horizon si lointain de la mer.

Je dois ajouter que ce qui me paraît avoir été très formateur dans mon itinéraire de peintre ce sont les univers de mes deux grands parents. L’un était maréchal ferrant, l’autre boulanger. J’ai l’image de la forge, c’était un antre très Noir. Et il y avait cet éclat du fer Rouge sur l’enclume au milieu. Ces deux mondes, l’un de Noir et de feu, l’autre poudreux, blanc de farine rendant toute chose claires et soyeuses, sol et murs compris, ces deux mondes ont engendré une base chromatique que je n’ai cessé d’élaborer.

Q2 Quels artistes ou mouvements artistiques ont le plus influencé votre travail, en particulier dans les années 60 ?

J’ai découvert Cézanne, Rembrandt, Gainsborough. Cézanne et Matisse me sont familiers. Je découvre Les Ménines de Vélasquez au Prado à Madrid. C’est aussi l’époque où je vois de grandes expositions consacrées à Picasso, Poussin dont Les Saisons me touchent profondément. Mais ce qui m’a frappé vraiment en premier dans la peinture, oui c’est De Staël. Klee, Mondrian, Joan Mitchell sont parmi les peintres dont le travail m’intéresse tout particulièrement. Jean Hélion fait aussi partie de mes découvertes d’alors.

Q3 Qu’est-ce qui vous a inspiré pour créer les nues et les natures mortes présentées dans cette exposition ?

J’ai été frappé par l’œuvre de Richard Lindner par exemple. c’est un peintre américain. Le problème fondamental chez lui, c’est ce travail du rapport des choses et de la chair, la chair qui est un élément particulier de ce qui nous entoure. J’ai aimé peindre des nus, avec leur dessin, leur mouvement.

Je considère mon travail de peintre comme une quête, une recherche, recherche à laquelle j’associe la notion de plaisir. Recherche et plaisir sont pour moi deux mots qui définissent mon attitude devant la peinture. J’ai abandonné la Sorbonne et le merveilleux Jankélévitch pour  vivre la peinture.

Q4 Pouvez-vous nous expliquer votre choix de couleurs et de textures dans vos tableaux des années 60 ?

Je reviens à l’image de la forge. Cette question de l’origine, sous plusieurs aspects y compris la référence à Courbet, est au cœur de ma recherche. Courbet et l’Origine du monde plutôt que les impressionnistes. C’est peut être de là que vient mon goût pour le Noir, parce que le Noir engendre la lumière, reçoit la lumière, alors que le Jaune la renvoie. Le Jaune c’est brillant, c’est comme l’or. Soulages n’a travaillé qu’avec du Noir, mais ses noirs sont souvent de couleurs.

Sur une longue période, je me suis intéressé à « la Fabrique du Noir », c’est le Noir en tant que lumière interne. C’est à dire que le Noir, il est soit Rouge soit bleu, chaud ou froid, il est lui même une couleur variée, alors que le Jaune citron, il est toujours Jaune citron, il est un peu bête, il ne renvoie que le Jaune citron.

J’insisterai sur le caractère continu de mon travail.  S’il y a des périodes, ce sont des périodes dans la continuité, la continuité étant la lumière et donc la lumière à partir de ce que j’appelle « La vraie couleur des choses ». C’est un titre qui m’a été donné par le poète Georges Schehadé. La vraie couleur des choses, c’est ce que je cherche.

Mais enfin il ne faut pas oublier le plaisir fondamental d’étaler la couleur, de recevoir la couleur dans l’oeil, c’est mystérieux, c’est magnifique.

Q5 Comment abordez-vous le thème de l’intimité dans vos nues ?

Mon propos est la peinture. Il ne s’agit pas pour moi de reproduire, de représenter « des choses », un objet, un corps, un paysage mais de saisir ce qui accroche la lumière.

On a dit de mes Nues qu’elles paraissaient « pensives ». Pensives, oui, dans la mesure où je ne raconte pas d’histoires. Je dirais plutôt détachées, avec une certaine mise à distance contemplative. C’est complètement sensuel, dans la mesure où un corps humain n’est pas un objet mais un réceptif de la lumière.

Peindre c’est d’abord voir et faire voir. Révéler sans s’attacher à l’anecdote. La peinture dit le réel dans sa fugacité et son étrangeté. Elle donne à voir, elle est à voir. Ma peinture n’est ni descriptive ni narrative ni explicative. Je ne peins pas des objets, ou des nus mais je peins la lumière sur les objets, les corps, en rapport avec l’espace où ils sont.

Ne se pose donc pas la question de l’intimité même lorsqu’il s’agit d’un corps humain. Celui-ci est, avec ce qui l’entoure, un lieu qu’investit la peinture, laquelle se cherche pour et par elle-même.

Je vois dans mon travail une continuité, je le répète. Continuité dans la recherche de la lumière, de la matière, de ce qui résiste à un regard superficiel.

Peindre des nus n’est pas tenter de capter ou provoquer désir ou érotisme, c’est investiguer l’énigme du réel que tentent de cerner la forme, la texture, la couleur convoquées par le geste du peintre. Il revient au spectateur, s’il le souhaite, d’interpréter le motif, le sujet si c’est ce qui l’intéresse.

Q6 Comment l’époque des années 60 a-elle influencé votre art ?

Dans la période où j’ai peint les toiles que vous exposez, je ne suis pas du tout à l’affût des événements politiques ou autres. A cette époque je vis dans un milieu artistique et intellectuel où figurent Roland Topor, Olivier O. Olivier, les habitués de chez Castel. Pour le théâtre, je travaille avec Georges Wilson, Georges Vitaly et Daniel M. Maréchal, je vois Pierre Arditti, Claude Brasseur ou Sylvia Montfort, je suis en relation avec les galeristes Margueritte Motte et Robert de Bolli. Je rencontre beaucoup de poètes, dont André Salmon et Georges Schehadé. Je vis entre Paris, la Bretagne et le Var.

C’est en 1964 que commencent mes séjours annuels dans le Cotentin. J’y redécouvre l’immensité des ciels et de la mer. Ce qui donnera une nouvelle orientation à mon travail.

Q7 Quel message ou quelle émotion souhaitez vous transmettre à travers vos œuvres ?

Ouvrir les yeux. Regarder. Voir, voilà mon projet. Je suis un glouton optique. Le spectateur est libre.

Comment ne pas souhaiter que l’art reste au cœur de nos vies ?

Q8 Quelle est, selon vous, la place de l’art dans notre société actuelle ?

L’art aujourd’hui est plus orienté vers la représentation et l’illustration que vers l’approfondissement. L’art contemporain est plutôt lié au bricolage. Je dirais : Picasso c’est un bricoleur de génie.

Je pose la question, qu’est ce que « voir » ? Car si on ne voit plus, qu’est ce qui reste ? Rien. Qu’est ce que mourir, si ce n’est ne plus voir. ? La peinture c’est grave en somme, comme une Pierre de touche sur l’existence.

Peindre est un geste et une reconnaissance, une forme d’Hommage à la Création. C’est aussi un lieu de rencontre privilégiée avec soi-même et avec ceux qui ont contribué à faire du monde un lieu vivant.

Plus que la maîtrise de techniques artistiques, son milieu familial lui a transmis une forte sensibilité à l’art. Mais il attendra le décès de son père peintre Raymond Guerrier pour pouvoir se qualifier d’artiste et il choisira la sculpture, tournant le dos à la peinture pratiquée depuis 2 générations chez les Guerrier.

Il part pour Paris à 19 ans et, l’année suivante, commence son activité créatrice auprès de l’architecte-scénographe Pierre-Henri Magnin, qui lui fait découvrir l’univers du décor et de la scénographie et que Francis considère comme son Maître.

Il se marie et devient père très jeune, ce qui le pousse à créer sa société de création de décors et scénographies pour l’évènementiel à l’âge de 25 ans afin de subvenir plus sereinement aux besoins de sa famille. Pendant dix ans, pour répondre aux désirs de ses clients, il sera amené à maîtriser de nombreux outils et media : vidéo, laser, installations son et lumière, mais aussi matériaux de construction, bois et acier. Une expérience riche mais contraignante car chronophage et limitative : il veut étendre son domaine de création, laisser libre cours à son imagination et ne plus simplement honorer des commandes.

En 2000, âgé de 36 ans, il vend sa société et navigue pendant 4 mois en Méditerranée pour découvrir les sites inscrits au Patrimoine Mondial de l’UNESCO, de l’Italie à L’Egypte en passant par la Syrie. A son retour, il sait qu’il veut être sculpteur. Il opère alors une rupture dans sa carrière professionnelle pourtant florissante afin de se sentir en phase avec ses valeurs profondes et de répondre à l’impérieux besoin d’un retour aux sources. Dans un premier temps, il s’installe à Paris dans l’atelier de son grand-père qui fut aussi celui d’André Derain. Il découvre alors l’œuvre peint de son aïeul et cet univers devient sa principale inspiration. En 2002, il monte une première exposition de son œuvre sculpturale autour du ciel, du rêve et de la mémoire où il intègre la lumière à l’acier, au bois, au verre et au cuivre qui composent ses créations.

Mais Francis Guerrier a besoin de grandeur et rêve de créer du monumental « qui remet l’homme à sa place ». Il sent aussi que la nature et la lumière du sud lui sont nécessaires. Il s’installe en 2015 avec sa seconde épouse à Eygalières et retrouve ses racines. Tout en travaillant toujours mais ponctuellement en tant que scénographe afin de satisfaire sa passion du théâtre, il développe encore son savoir-faire et sa propre technique et peut enfin s’attaquer à la réalisation de sculptures aux dimensions impressionnantes, telle sa Plume de 12 mètres de haut. En 2005, la Galerie Guigon à Paris lui permet de présenter son nouveau travail de l’acier basé sur le pliage et la courbe.

La tôle d’acier noir devient son medium de prédilection. Il met au point une technique d’incision du métal et de pliage à froid des plaques planes par laquelle il cherche à honorer la matière et trouver l’équilibre et l’harmonie après la lutte. Ses formes euclidiennes s’inspirent de la nature, du cosmos et des étoiles et le volume se crée par le pliage.

Monumentales et pourtant légères, noires et malgré tout lumineuses, douces et anguleuses, ses sculptures aux lignes épurées, sobres et élégantes sont issues d’un procédé de fabrication très personnel à l’artiste qui se laisse guider par la résistance de la matière afin de trouver une véritable synergie entre l’œuvre et son environnement et offrir de nouvelles perspectives dans le paysage.

Fortes et énergiques tout en étant pures et sobres, les sculptures de Francis Guerrier nous séduisent par la volupté de leur courbe et l’élan de leur ligne. Véritable lien entre terre, ciel et mer, elles reflètent la personnalité de leur créateur : « La tête dans les étoiles et les pieds sur terre ».

Dés 1930, afin de remercier ses clients les plus fidèles, Etienne Nicolas édite chaque année pour les fêtes de Noël un catalogue illustré par un artiste. Aujourd’hui, cette longue série de 35 ouvrages constitue pour les collectionneurs d’art et d’œnologie un véritable trésor. Au fil des ans, ce sont Kees Van Dongen, Jean Hugo, Bernard Buffet, André Derain, Bernard Lorjou, Raymond Guerrier ou Raoul Dufy entre autres qui ont collaboré à la réalisation de ces brochures.

Nous avons eu l’opportunité d’acquérir très récemment un ensemble exceptionnel de 7 dessins originaux de Raoul Dufy reproduits dans le catalogue de 1936 édité par les Etablissements Nicolas et Draëger, célèbre imprimeur-graveur de Montrouge, intitulé « Mon Docteur le Vin ». Les 20 aquarelles créées pour l’occasion ont d’ailleurs fait l’objet d’une exposition cette même année à la Galerie Bernheim-Jeune à Paris. Nous avons également trouvé une édition originale du livre, dédicacée par Dufy.

Dès la première page, le ton est donné : « Mon Docteur le Vin ?… Eh ! oui car ses préceptes vieux comme le monde sont justifiés chaque jour davantage par la science ». Le Maréchal Pétain, après la Première Guerre Mondiale, dans son introduction « Hommage au Vin », indique que « le vin a été, pour les combattants, le stimulant bienfaisant des forces morales comme des forces physiques – ainsi a-t-il largement concouru, à sa manière, à la Victoire ». Et les bienfaits du vin sont énoncés dans le sommaire : vitamines et radioactivité du vin ; le vin contre la fièvre typhoïde, la dépression, l’anémie, le diabète ou l’obésité ; le vin pour les reins, le maintien de la jeunesse et l’esthétique, le caractère et le moral ; indispensable aux écrivains, artistes et sportifs. Et enfin, le vin fait les beaux hommes et favorise la longévité ! La citation du Professeur P. PIERRET nous servira de conclusion : « Le vin porte avec lui la gaîté, la force, la jeunesse, la santé. C’est du soleil en bouteille ». Alors, qui mieux que Raoul Dufy pour illustrer un tel ouvrage ?

Peintre de l’optimisme, de la fête et de la mondanité, Raoul Dufy promène un regard émerveillé sur le monde et transmet par sa peinture colorée et poétique, un sentiment joyeux de bien-être et de vie. Comme le dit si bien Pierre Camo dans « Dufy, l’Enchanteur » (ed. Marguerat, 1947) « Tout y est frais, vif, clair, joyeux comme le printemps dans la nature ou la jeunesse dans la vie ». Les titres octroyés aux expositions et divers hommages consacrés à l’artiste en témoignent : « Raoul Dufy. Le Plaisir » (Musée d’Art Moderne de Paris, 2008) ; « Raoul Dufy. A Spectacle of Society » (Connaught Brown Gallery, Londres, 2016) ; « Les Couleurs du bonheur » (Musée Jean cocteau, Menton, 2017) ; « La Légèreté de Raoul Dufy » (Musée Angladon, Avignon, 2017).

Son style correspond exactement à l’esprit de « Mon Docteur le Vin », ouvrage liant humour, finesse et précision.

A l’âge de 13 ans déjà, le jeune Raoul impose à sa famille de musiciens son choix de devenir peintre et quitte sa Normandie natale pour se former à l’Ecole des Beaux-Arts de Paris. Influencé dans un premier temps par les Impressionnistes puis par l’éclat de la couleur chez les Fauves, il admire plus que tout autre Cézanne et c’est d’ailleurs sur les terres provençales chères à celui-ci qu’il trouvera son propre langage et développera son principe de la « lumière-couleur ».

Les caractéristiques essentielles du style de Raoul Dufy sont nées et ne le quitteront plus : dissociation du trait et de la couleur ; figures esquissées mais dynamiques et bien vivantes ; courbes potelées et voluptueuses ; lignes simples, souples et expressives ; flamboyance de la couleur qui devient lumière. En 1936, année de la publication de « Mon Docteur le Vin », Dufy est déjà mondialement connu et se voit consacrer des expositions personnelles à New-York, Bruxelles, Prague…

Doté d’un exceptionnel don de dessinateur et de coloriste, c’est par le dessin et plus précisément par l’aquarelle qu’il révèle son véritable talent et libère son geste vif et gracieux. Dès les années 30, Dufy donne de plus en plus de place à son œuvre graphique et travaille les possibles offerts par l’usage de ses « flaques de couleurs » qui précèdent sa ligne.

Raoul Dufy ne cherche pas à figurer la matérialité mais offre une interprétation très libre et subjective de son sujet où réalité et imaginaire s’entrecroisent. Si l’on retrouve des thèmes et motifs récurrents dans son œuvre (orchestres, paysages, portraits, courses hippiques…), l’artiste est éclectique et s’exprime par divers media, multipliant les expériences : dessin, peinture, sculpture mais aussi arts décoratifs, illustration, tapisserie, décors et costumes. Sa sureté calligraphique, la simplicité et l’épuration de son sujet, son sens extraordinaire de la composition, la souplesse de ses lignes et l’éclat des couleurs dissociées du trait resteront reconnaissables entre tous, quel que soit le support choisi.

Travailleur acharné, il ne produira pas moins de 4.000 dessins et 2.000 toiles, entre autres céramiques, tissus, tapisseries… carrière féconde s’il en est et le succès et la reconnaissance internationale sont au rendez-vous ! Un an avant sa mort, en 1952, la XXVIe Biennale de Venise lui octroie le Grand Prix de la Peinture pour couronner l’ensemble de son œuvre.