Journal de la Galerie

La Galerie Hurtebize est heureuse de partager une sélection d’œuvres contemporaines dans laquelle nous mettons en lumière des univers artistiques uniques, où styles, techniques et thématiques se croisent et dialoguent. Chaque artiste explore une vision singulière, réinventant notre rapport au monde, à la matière et aux émotions.

Découvrez les œuvres vibrantes et captivantes de Julien Colombier, Jan Kolata, François Malingrey, Daniel Buren, Salifou Lindou, Jean-Jacques Marie, et Kim Duck Yong. Leur diversité de techniques et de perspectives offre un véritable panorama des tendances actuelles de l’art contemporain.

Julien Colombier nous invite dans une jungle imaginaire avec ses motifs végétaux saturés et stylisés. Ses œuvres sont des explosions de couleurs, où les formes se superposent pour créer une ambiance presque hypnotique. À travers ces contrastes vifs et dynamiques, Colombier transforme la nature en une expérience sensorielle immersive. Son utilisation du pastel sur de grandes surfaces renforce l’intensité visuelle de ses compositions, offrant une texture douce mais vibrante. Chaque élément végétal, souvent simplifié et stylisé, semble flotter dans une harmonie contrôlée.

Jan Kolata explore les infinies possibilités de la couleur à travers des superpositions de couches de peinture qui se révèlent progressivement. Ses œuvres abstraites jouent subtilement avec la transparence, laissant apparaître des nuances qui interagissent les unes avec les autres. Chaque couche de peinture devient une strate de lumière, un voile translucide qui laisse entrevoir ce qui se cache dessous. Ce jeu de superposition et de transparence confère à ses œuvres une profondeur unique, où les couleurs se mêlent et se réinventent sans cesse, capturant le regard et invitant à une contemplation prolongée.

Le travail de François Malingrëy explore les zones d’ombre et de lumière de l’intimité humaine. Ses personnages, souvent étranges et troublants, captent l’attention et suscitent des émotions ambivalentes. Ses toiles nous plongent dans des réalités humaines complexes, mêlant familiarité et étrangeté, offrant ainsi une réflexion profonde sur la condition humaine. Sa technique est marquée par une précision quasi photographique dans le rendu des détails, créant un réalisme saisissant qui amplifie le caractère troublant de ses œuvres. Malingrey joue également avec des contrastes forts entre lumière et obscurité, renforçant l’intensité dramatique de ses scènes et accentuant le sentiment de malaise ou de fascination chez le spectateur.

Salifou Lindou, artiste camerounais, aborde des thématiques sociales et politiques avec un trait énergique et expressif. Ses compositions illustrent des interactions humaines intenses et riches en émotions, faisant écho à des questions universelles. Son travail, profondément ancré dans la réalité sociale, fait dialoguer les cultures et met en avant la force des échanges humains. Lindou utilise souvent des lignes brutes et spontanées, créant un dynamisme visuel qui reflète l’énergie des interactions humaines. Il travaille également avec des techniques mixtes, mélangeant dessins, peinture et collage pour accentuer la texture et la profondeur de ses compositions, renforçant ainsi leur impact visuel et émotionnel.

L’art de Jean-Jacques Marie se distingue par une approche brute de l’abstraction. À travers une maîtrise du geste et de la matière, il exprime une énergie puissante et spontanée. Ses œuvres traduisent une tension entre chaos et contrôle, créant des formes épurées et intenses qui captivent par leur force expressive. Il privilégie des gestes larges et libres, laissant la peinture se déployer avec une certaine spontanéité, tout en gardant une précision dans la composition. Son utilisation de la matière, souvent épaisse et texturée, ajoute une dimension tactile à ses toiles, invitant le spectateur à ressentir physiquement l’énergie contenue dans chaque coup de pinceau.

Artiste originaire de Corée du Sud, Kim Duck Yong explore l’éphémère à travers des compositions lumineuses et délicates. Ses œuvres évoquent souvent des paysages crépusculaires, où la lumière et la texture fusionnent en une harmonie mystérieuse. Il est reconnu pour sa technique unique, alliant marqueterie de bois, peinture et incrustations de nacre. Il mêle de façon harmonieuse les matériaux traditionnels et contemporains, créant des œuvres délicates où le bois finement travaillé s’associe à des touches de couleur et à des éclats de nacre. Chaque pièce reflète un équilibre subtil entre la tradition coréenne et une approche artistique moderne, créant un univers visuel à la fois intemporel et captivant.

À travers les œuvres de ces sept artistes, la Galerie Hurtebize célèbre la diversité des formes et des styles qui caractérise l’art contemporain. Chaque artiste propose une approche personnelle et singulière, offrant ainsi un éventail de perspectives qui enrichissent notre compréhension du monde et de l’art d’aujourd’hui.

Cette pluralité d’expressions artistiques trouve sa force dans la manière dont ces créateurs explorent des thématiques universelles. Que ce soit la nature, l’humanité, la lumière ou la matière, chaque artiste aborde ces sujets avec une sensibilité propre, apportant une voix unique à des réflexions communes.

Ces artistes, bien que différents dans leur style et leur approche, se rejoignent par leur capacité à transformer des thèmes intemporels en visions contemporaines audacieuses. C’est cette richesse de styles et de points de vue qui fait de cette sélection un panorama captivant de l’art contemporain. Loin de s’inscrire dans une approche homogène ou unidimensionnelle, chaque œuvre apporte une pierre à l’édifice d’une réflexion collective sur les grands enjeux artistiques, sociaux et spirituels de notre époque.

La Galerie Hurtebize vous propose ainsi non seulement de découvrir des œuvres d’une grande diversité, mais également d’explorer comment l’art contemporain repousse sans cesse les frontières de notre perception et enrichit notre compréhension du monde qui nous entoure.

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La Galerie Hurtebize à Cannes présente “Bosse” (1971) de Georges Mathieu, pionnier de l’abstraction lyrique. Cette création, réalisée avec une technique mixte sur papier, incarne parfaitement l’esprit novateur et la maîtrise technique de l’artiste.

Né en 1921, Georges Mathieu est devenu une figure incontournable de l’abstraction lyrique, un mouvement artistique qui privilégie la spontanéité et l’expression émotionnelle. Contrairement à l’abstraction géométrique, Mathieu privilégie l’instantanéité et l’improvisation, créant des œuvres où chaque trait reflète une émotion pure et immédiate. Son approche audacieuse a non seulement marqué son époque, mais continue d’inspirer les artistes contemporains. Ses performances publiques, où il peignait des œuvres gigantesques en quelques minutes, ont captivé l’attention mondiale et ont établi de nouveaux standards dans le monde de l’art abstrait.

“Bosse” est une illustration parfaite de l’abstraction lyrique selon Georges Mathieu. L’œuvre est composé d’un ensemble de signes dorés, noirs et blancs, très fins, disposés de manière à créer une harmonie calligraphique. Positionné au centre d’un fond noir profond, cet agencement de lignes et de formes minimalistes induit une énergie intense. Le contraste des couleurs et la finesse des traits soulignent la dextérité de l’artiste et la profondeur de sa vision artistique.

1. Palette de Couleurs : L’œuvre utilise une palette restreinte de trois couleurs – doré, noir et blanc – qui renforce l’impact visuel et émotionnel de la composition. Cette limitation volontaire des couleurs met en exergue l’éclat des dorés et la sobriété des noirs et blancs, créant une tension visuelle captivante.
2. Techniques Utilisées : Travaillée finement à la gouache, chaque ligne et chaque signe témoignent de la vitesse d’exécution et de la liberté du geste de l’artiste. Cette technique permet de saisir l’instantanéité du geste et la fluidité du mouvement, rendant chaque œuvre unique et spontanée.
3. Disposition Harmonieuse : Les signes sont disposés de manière à créer un ensemble harmonieux et équilibré, évoquant une calligraphie abstraite. Cette disposition révèle une composition minutieusement réfléchie, où chaque élément trouve sa place pour former un tout cohérent et expressif.

Georges Mathieu a bouleversé les théories de la peinture en définissant quatre critères fondamentaux pour créer ses oeuvres :

1. Primauté de la Vitesse d’Exécution : La rapidité permet de capturer l’essence du moment et d’exprimer une énergie brute. Cette approche privilégie la spontanéité, éliminant toute forme de calcul ou de planification rigide.
2. Aucune Préexistence des Formes : Les formes ne sont pas prédéfinies, permettant une liberté totale dans la création. Cette absence de structure préalable donne lieu à une authenticité pure de l’expression artistique.
3. Absence de Préméditation des Gestes : Chaque geste est spontané, reflétant l’authenticité et la sincérité de l’artiste. Cette méthode valorise l’instinct et l’émotion brute, opposés à l’intellectualisation et à la technique rigide.
4. Nécessité d’un État Second de Concentration : L’artiste doit atteindre un état de concentration intense, presque méditatif, pour créer des œuvres d’une telle intensité. Cet état permet de transcender la conscience ordinaire et d’accéder à une forme d’expression plus profonde et plus vraie.

Avant sa période flamboyante des années 80, souvent qualifiée de période “feux d’artifice”, Georges Mathieu a exploré une phase calligraphique marquante. C’est au cours de cette première période que Mathieu a défini les bases de son style distinctif. Influencé par la calligraphie orientale, il a développé une technique qui mêle la rapidité et la précision des gestes.

En 1957, lors d’un séjour au Japon, Georges Mathieu entre en contact avec la calligraphie et la tradition japonaise, ce qui enrichit considérablement son approche artistique. André Malraux avait déjà qualifié Mathieu de “calligraphe occidental” en 1950, établissant un lien entre son œuvre et la calligraphie extrême-orientale. Mathieu s’est inspiré des techniques de calligraphie utilisées par les moines bouddhistes, où l’écriture et la peinture à l’encre sont souvent indissociables.

En Extrême-Orient, la calligraphie est souvent imprégnée d’un aspect philosophique et spirituel, ce qui contraste avec la calligraphie occidentale, davantage centrée sur l’esthétique de la belle écriture. Mathieu a su transcender cette dichotomie en intégrant la rapidité et la spontanéité de la calligraphie orientale dans son propre travail. En ce sens, ses œuvres ne se limitent pas à une simple esthétique, mais deviennent une expression pure de l’émotion et de l’énergie.

Georges Mathieu fonde sa recherche sur l’abstraction de ses signes. Pour lui, le signe abstrait nie tout sens préalable à sa création, ce qui s’oppose à la calligraphie traditionnelle où chaque signe a une signification précise. En 1963, dans son ouvrage “Au-delà du tachisme”, Mathieu explique que le fond de ses toiles prend des tons plus uniformes, rendant les signes plus indépendants et plus précis. Cette rapidité d’exécution et la spontanéité des gestes permettent de traduire une émotion brute et immédiate, un principe qui se retrouve dans “Bosse”.

La Galerie Hurtebize à Cannes vous convie à découvrir “Bosse” et à plonger dans l’univers expressif et dynamique de Georges Mathieu. Cette pièce unique est un véritable témoignage de son approche artitique novatrice. “Bosse” est une invitation à ressentir l’énergie créatrice de Mathieu et à apprécier la beauté de l’abstraction lyrique dans toute sa splendeur.

Hans Hartung, né en 1904 en Allemagne, est une figure centrale de l’art abstrait du XXe siècle. Son œuvre, marquée par une recherche incessante de nouvelles formes d’expression, témoigne de son génie créatif et de son influence durable sur l’art moderne. À travers ses œuvres, Hartung a exploré diverses techniques et styles, évoluant constamment et repoussant les limites de l’abstraction. Cet article explore trois œuvres clés de Hartung, réalisées en 1939, 1976 et 1988, illustrant son parcours artistique et l’évolution de sa technique.

En 1939, l’année de son mariage avec Roberta Gonzalez, Hans Hartung crée une œuvre marquante qui témoigne de sa courte exploration d’une abstraction à l’inspiration géométrique. Cette période de son travail se caractérise par un éloignement de ses représentations abstraites habituelles, se concentrant plutôt sur les formes, les lignes et les structures.

Cette pièce de 1939 est emblématique de cette phase expérimentale. Elle présente une composition équilibrée de formes géométriques et de lignes dessinées avec une grande précision et délicatesse, reflétant la recherche minutieuse de Hartung pour une nouvelle esthétique. Les nuances de gris et de beige dominent la palette, créant une ambiance sobre et élégante qui met en avant la pureté des formes.

L’œuvre montre également l’influence de l’art moderne européen, notamment du cubisme et du constructivisme, mouvements qui ont profondément marqué Hartung dans sa quête d’innovation artistique. Bien qu’il ne soit pas certain que cette pièce soit un cadeau de mariage, elle représente un lien intime entre sa vie personnelle et son évolution artistique.

Pour apprécier pleinement cette œuvre, il faut considérer non seulement sa beauté visuelle mais aussi son contexte historique. Elle marque une étape importante dans la carrière de Hartung, caractérisée par une recherche constante d’innovation et d’expression artistique.

Dans les années 70, Hans Hartung se trouve dans une période transitoire marquée par le passage des techniques de grattage des années 1960. Cette période est caractérisée par un style d’abstraction où il utilise des coups de pinceau énergiques et spontanés pour exprimer une intensité et une liberté nouvelles par rapport à ses premières explorations géométriques.

Cette œuvre de 1976 qui se caractérise par des lignes noires tourbillonnantes et des éclats de couleur vibrante, illustre bien cette période. Hartung adopte ici une approche gestuelle, où chaque coup de pinceau semble être une extension directe de son état d’esprit. Le bleu vif, traversant l’œuvre, ajoute une profondeur et une vitalité qui contrastent magnifiquement avec les tons plus sombres.

Le bleu n’est pas choisi au hasard ; il démontre la capacité de Hartung à utiliser la couleur pour évoquer différentes atmosphères. Symbole de calme et de sérénité, le bleu se mêle à la turbulence des lignes noires, créant une tension visuelle captivante.

Cette œuvre illustre également son éloignement de la technique de grattage typique des années 60 et une nouvelle approche de l’abstraction.

L’abstraction lyrique de Hartung reflète une quête de liberté et d’expression pure. En se libérant des contraintes formelles, il parvient à transmettre des sentiments et des sensations avec une immédiateté rare. Son travail de 1976 incarne cette recherche d’une communication artistique directe et instinctive.

Les années 1980 marquent la dernière période de sa carrière, aboutissement ultime de son abstraction, très différente de l’idée que l’on se fait de sa peinture antérieure. À partir de 1986, Hartung est très affaibli et ne peut plus manipuler les instruments qu’il utilise habituellement pour peindre. Il se tourne alors vers des techniques innovantes, travaillant sur la projection des flux de peinture en utilisant des tyroliennes, des pistolets sans air et des machines à sulfate de jardin.

Cette œuvre de 1988, créée juste après la mort de sa femme Anna-Eva Bergman en 1987 et l’année précédant son propre décès, est typique de son travail durant cette période. Hartung s’émancipe des formes traditionnelles et articule son travail autour de deux vocabulaires récurrents : l’entrelacement et la couleur zone par zone. Il crée un fond à l’aide d’un pistolet qui pulvérise la couleur de manière nébuleuse, puis dessine par-dessus avec un pulvérisateur de jardin. Les couleurs, dominées par des nuances de bleu et de blanc, montrent une maîtrise technique et une sophistication accrue dans son utilisation des matériaux. Le contraste entre les éclats de bleu et les textures blanches crée une composition visuelle riche, illustrant l’évolution de son abstraction lyrique. Un mouchetage jaune fluo subtil apparaît également dans l’œuvre, ajoutant une touche de luminosité et de profondeur, et démontrant une fois de plus la capacité de Hartung à exploiter chaque nuance pour enrichir ses compositions.

Hartung aborde les nouveaux outils avec la même curiosité et rigueur qu’il avait pour les techniques plus traditionnelles. Il expérimente, passant de la découverte à la maîtrise, mémorisant physiquement les possibilités offertes par ces nouveaux outils.

L’œuvre de 1988 reflète cette exploration technique, avec une exécution rapide et maîtrisée qui caractérise son style. La rapidité d’exécution est une caractéristique essentielle de cette œuvre. Les outils utilisés exigent une double maîtrise : celle du geste et celle du temps. Hartung, qui a toujours expérimenté la dimension temporelle de ses techniques, sait parfaitement comment jouer avec ces éléments pour créer des compositions dynamiques et émouvantes.

Hans Hartung a laissé une empreinte indélébile sur l’art abstrait, explorant sans cesse de nouvelles formes d’expression. Ses œuvres de 1939, 1976 et 1988 témoignent de son évolution stylistique et de sa capacité à innover constamment. À travers ses différentes période Hartung a toujours cherché à capturer l’essence de l’émotion et du mouvement, laissant un héritage artistique riche et varié.

La Galerie Hurtebize est fière de vous présenter son exposition, “Paysages Français : De l’Impressionnisme au Postimpressionnisme “, qui offre une immersion fascinante dans les paysages français tels qu’interprétés par les figures emblématiques de ces mouvements artistiques. Alors que nous célébrons les 150 ans de l’impressionnisme, notre exposition prend une résonance particulière. Il y a un siècle et demi, un groupe de peintres audacieux a rompu avec les conventions pour explorer de nouvelles manières de capturer l’instant sur la toile, donnant naissance à ce qui allait être reconnu comme l’une des plus grandes révolutions artistiques de l’histoire.

Cette exposition est donc un hommage vibrant à ce mouvement qui a changé à jamais le cours de l’art. Elle invite les visiteurs à contempler les œuvres qui continuent d’incarner l’esprit d’innovation et la liberté d’expression qui ont animé ces artistes révolutionnaires. En parcourant l’exposition, on ressent l’effervescence de cette période bouillonnante où chaque coup de pinceau témoignait d’une quête passionnée pour capturer l’éphémère.

Notre collection est une célébration de la diversité et de la richesse du paysage français, et une reconnaissance de son rôle central dans le développement de ces deux mouvements qui ont durablement marqué la scène artistique mondiale.

Les œuvres de Pierre-Auguste Renoir, Alfred Sisley, Albert Marquet, Henri Manguin, Henri Martin et d’autres dialoguent au sein de l’exposition, offrant une représentation riche et diversifiée du paysage français. Elles célèbrent la terre, l’eau et le ciel, capturant avec une touche personnelle la beauté de la France qui continue de fasciner et d’inspirer.

C’est avec un immense plaisir que nous ouvrons nos portes pour vous dévoiler des toiles où la nature se fait tantôt douce et apaisante, tantôt vive et tumultueuse. Les œuvres sélectionnées pour cette exposition célèbrent la splendeur de la campagne, la poésie des villages et le caractère sauvage des côtes de France.

Les maîtres de l’impressionnisme, tels que Pierre-Auguste Renoir avec sa célèbre “Maison Blanche“, ont révolutionné la perception de la lumière et de la couleur, optant pour des touches rapides et colorées capturant l’essence même du moment. L’œuvre présentée ici « Paysage » représente une vue des oliviers de Cagnes-sur-Mer, un vibrant témoignage des dernières années de la vie de l’artiste. Renoir, en quête de lumière et de chaleur pour ses vieux jours, s’était établi dans le sud de la France et c’est là, au cœur de la lumineuse Provence, qu’il a capturé la beauté immortelle de ses jardins d’oliviers du domaine des Collettes. L’œuvre est un tourbillon de couleurs vives et de mouvements, où le pinceau danse et joue avec la lumière, évoquant la brise chaude d’un après-midi méditerranéen. La texture palpable de la peinture et la spontanéité des coups de pinceau laissent entrevoir un artiste en pleine communion avec son environnement, capturant l’essence vibrante des arbres tordus et de la terre généreuse qui les nourrit. À travers ces formes presque abstraites, on peut ressentir l’impact profond et durable que la nature et ce coin particulier de France ont eu sur l’artiste.

Alfred Sisley, avec sa “Matinée d’Octobre près du Port-Marly“, nous offre une vue mélancolique et douce d’un paysage fluvial, où les arbres se penchent gracieusement sur l’eau, baignés dans la brume matinale d’un automne naissant. Son œuvre capture l’essence transitoire de la lumière et de l’atmosphère avec une subtilité qui est la marque des grands maîtres impressionnistes. Cette œuvre d’Alfred Sisley, est intéressante de part l’emplacement représenté, la ville de Port-Marly qui est au cœur de la création de l’artiste. Son pendant est présenté au Städel Museum,à Francfort am Main en Allemagne.

Albert Marquet, connu pour ses vues du port de Saint-Tropez, capture avec finesse les reflets et les nuances changeantes de l’eau. “La Route de l’Estaque” et sa scène du “Jardin du Luxembourg“, apportent une perspective plus structurée et colorée, typique de l’évolution vers le postimpressionnisme. Il équilibre la forme et la couleur, créant des scènes à la fois immédiates et intemporelles. Marquet nous donne à voir des paysages urbains et côtiers teintés d’une tranquillité poétique, une qualité lumineuse distincte qui reflète la sérénité d’une scène de la vie quotidienne.

À leurs côtés, les postimpressionnistes, dont au cœur de l’exposition “Printemps à la Bastide du Vert” d’Henri Martin, une œuvre qui resplendit avec une grâce intemporelle, invitant à la contemplation. Cet artiste, moins populaire que ses confrères impressionnistes mais tout aussi captivant, a porté le postimpressionnisme à une échelle lyrique et intime. Le tableau présenté, une représentation de la Bastide du Vert, capture avec une délicatesse poétique l’église et les peupliers qui se dressent comme des sentinelles autour du village, sous une lumière qui semble palpiter au rythme de la vie rurale. La technique de Martin, avec ses touches pointillistes et sa palette riche, nous transporte dans une atmosphère empreinte de tranquillité. Il n’y a pas seulement l’habileté technique qui se dévoile sous nos yeux, mais une profonde compréhension et un amour de la campagne française qui se manifeste à chaque endroit de la toile. Martin, avec sa capacité unique à traduire la majesté paisible des paysages du Sud-Ouest de la France, nous offre une vision presque éthérée de la nature. Son œuvre est un appel à ressentir l’harmonie qui émane des champs, des arbres et des vieux murs de pierre de ces lieux qu’il chérissait tant.

L’exposition ne serait pas complète sans l’œuvre d’Henri Manguin, ce coloriste émérite qui a suivi les traces des fauvistes avec sa propre sensibilité. L’année 1921 a vu la naissance de son œuvre “Paysage autour de Gassin“, une toile vibrante d’été, où les teintes chaudes et les ombres profondes racontent l’histoire d’une Provence à la fois sauvage et domestiquée. Quelques années plus tard, en 1925, Manguin rend hommage à la beauté azuréenne avec “Vue sur le Golfe de Saint-Tropez“. Cette pièce saisit l’essence d’une région baignée de lumière, où le ciel et la mer s’embrassent dans une harmonie de bleus et de verts, ponctuée par les rouges et les jaunes des arbres et des fleurs qui ornent ce paysage côtier. Ces deux tableaux témoignent du talent de Manguin pour immortaliser les nuances subtiles de la lumière du Sud. En les contemplant, on ressent presque la chaleur du soleil méditerranéen et le parfum des pins. Leur présence dans l’exposition offre une transition fluide entre la douceur impressionniste et l’exubérance colorée du fauvisme, montrant comment les paysages français ont continué d’inspirer et de transformer l’art, même après l’époque des impressionnistes.

Nous vous invitons à vous laisser porter par cette odyssée picturale. Observez comment le paysage transcende sa simple représentation pour devenir un véhicule d’émotion et d’expression. Il est un langage universel, une aventure dans la perception où la toile devient un lieu de rencontre entre le spectateur et la vision intérieure de l’artiste.

Les Paysages Français : de l’Impressionnisme au Postimpressionnisme ouvre un dialogue silencieux mais puissant entre les œuvres et les visiteurs. Elle vous attend pour une expérience unique qui promet d’enrichir votre compréhension de l’art et de vous faire voir la France sous un jour nouveau.

L’équipe de la Galerie Hurtebize vous attend pour une belle découverte.